J’ai consacré il y a quelques temps déjà un article à  Martin Chaix qui poursuit outre Rhin une carrière de danseur et de chorégraphe dans laquelle il semble s’épanouir.

Il prépare actuellement une nouvelle création, Winterreise,  d’après Schubert qui doit être créée à Bonn, en février 2014. L'œuvre musicale est considérée comme le chant du cygne du compositeur…. Voyage d’hiver, quel autre titre résumerait mieux à lui seul ce que fut la vie et l’œuvre de ce si sensible musicien ?

Martin Chaix en a récemment trouvé une version pour saxophone et piano qui l’a bouleversé. C’est le point de départ de sa création. Il dit lui-même

«  C’est en parcourant les rayons d’un disquaire que j’ai découvert par hasard une version saxophone/piano de Yuri Honing et Nora Mulder. D’abord très intrigué, son écoute fût pour moi une révélation. La musique prenait une dimension complètement nouvelle. Un zeste de sensualité mêlée à une nostalgie dévastatrice. Des accents et des couleurs jazz se glissaient dans les fibres romantiques pures du début du XIXe siècle. Un mélange audacieux autant que savoureux. Une pure merveille. (…) »

Et de l’œuvre en création :

« En combinant le jazz et la musique originale de Schubert, je souhaite proposer avec cette pièce ma propre vision de Winterreise, décrire des sentiments comme la nostalgie, la douleur de la séparation, le désir de mort engendré par la solitude et le désarroi à travers une approche résolument contemporaine. »

Mais pour que cette création indépendante  voie le jour, le chorégraphe a besoin d’argent pour la production. Il a donc utilisé kisskissbank pour faire cette demande, comme c’est fréquemment le cas à présent.

De 1 euro à 200 euros, votre don sera le bienvenu….

J’ai moi-même soutenu cette création… d’une part, parce que c’est Martin Chaix… c’est ma façon de le remercier pour son «  supplément d’âme » qui illuminait le corps de ballet. Je le reverrai  longtemps encore danser dans Signes de Carlson, ou Glass piece, ou Hurlevent de Belarbi... en tant que spectatrice, voilà une façon concrète de lui dire merci.

D’autre part, car il est très difficile pour la danse d’exister… les autres arts trouvent facilement des subventions, mais pour la danse, quelque soit le pays, c’est toujours plus difficile… du temps où j’avais encore la Nâga compagnie, je me suis souvent heurtée à des problèmes d’argent. Car il faut   payer les salles de répétition, les flyers,  les costumes, le cachet des danseurs,  le décorateur, parfois aussi la régie ou le théâtre....etc...

Alors n’hésitez pas à soutenir son projet… dès 1 euro !....

Voici le lien  : Winterreise-Martin Chaix

Le Parc – Prejlocaj

Belle surprise que ce Parc qui ne m’avait pas convaincue en DVD et que j’ai véritablement découvert le 28 décembre dans la très belle distribution de cette matinée, avec Ciaravola/Bullion. Je ne m’attendais pas à tant de nuances de sentiments, de contrastes, et d’humour aussi.

Prejlocaj a pris le parti d’illustrer à la fois les Précieuses de la fin du 17^ème siècle, et la société libertine de la fin du 18^ème.

On est à mi chemin entre Roxanne et Marivaux, entre  la Princesse de Clèves et Beaumarchais.

Dans le premier acte, les Précieuses-Libertines, costumées comme des garçons,  revendiquent leur égalité dans le jeu du marivaudage : je t’approche, je te fais de l’œil, mais je reste la maîtresse du jeu ! Pas question de céder !

Il faut voir comme la troupe de l’opéra de Paris s’en donne à cœur joie pour installer ses chaises. On s’approche, on s’observe, on recule, on se séduit, on se dérobe, on se moque, on pouffe, puis on revient joyeusement à la charge ; le point culminant de cet acte est lorsque le jeu tourne aux chaises musicales,  qui est comme un clin d’œil à  celui de l’Amadeus de Milos Forman. Mozart aimait aussi le marivaudage, comme en témoignent certains documents, et ses soirées étaient parfois fort libertines…  peut être le choix de la musique vient-elle de là…

Dans ce climat où filles et garçons jouent à «  attrape moi si tu peux » un couple se rencontre. Le jeu cesse, l’amour s’impose. Mais va-t-on écouter son cœur ? Il y a tant de questions qui se posent : que faire de cet amour, comment le vivre, est-il possible de s’y abandonner, de lui faire confiance ?

Ciaravola et Bullion donnent beaucoup de gravité et de détresse au milieu de la joyeuse troupe qui s’amuse et batifole. Lui se rappele que l’amour fait surtout souffrir, et les anciennes blessures animent sa danse ; il ne peut ouvrir son cœur, et les cabrioles de joie où s’anime un cœur amoureux,  s’achèvent par des pas qui s’esquivent ; impossible se déclarer. Face à lui qui hésite, comment pourrait-elle s’abandonner ?  La peur est là aussi, de se perdre, peut être, d’être trahie, ou trompée. Entre ces deux là, le jeu a cessé. Isabelle donne à cette femme une fragilité extrême, une grande beauté, et une gracilité empreinte de noblesse. Bullion donne sa grande sensibilité et profondeur à ce personnage.

Le début de l’acte suivant  exprime en quelques minutes toute la poésie d’un groupe de femmes en grande toilette fleurie, qui étouffent sous la chaleur de la fin d’un après midi d’été. Et cette fois ci, on pense à la sieste d’Autant en emporte le vent, lorsque les demoiselles ont défait jupe et panier pour dormir dans la chaleur du Sud, tandis que Scarlett, elle, ne se déshabille pas : elle veut dire son amour à son cousin et part à sa recherche dans la maison, toute enrubannée de frou-frous et de rubans verts. Après quelques évanouissements et beaucoup de rire, jupes et paniers sont abandonnés et il ne reste que le corset et la chemise.

                       Photo Michel Lidvac

La belle jeune femme arrive, dans son immense robe rouge : la passion qui couve, mais les mètres de tissus et le large panier permettent une protection : l’amour est mis à distance  et la jeune femme se protège dans sa robe-abri. Tandis que les autres jeunes femmes   s’adonnent à quelques caresses et baisers sous la frondaison des arbres  après avoir couru en tous sens  dans le parc, poursuivies par les garçons et sans céder trop vite,  la jeune femme et le garçon hésitent.

A la fin de l’acte, la jeune femme ne cède pas, elle porte toujours sa jupe et son corset, et bien qu’elle soit submergée par son amour, et prête à céder, elle questionne le jeune homme. Ciaravola est  toute en fragilité  face Bullion tout en blessures ; il n’est pas un de ses libertins aguerris, beau parleur, prêt à tout pour arriver à son but.  Il est maladroit, emprunté, un peu gauche, peu sûr de lui,  et tout empli d’une sensibilité qui lui retire l’audace et la bravoure.  On est face à deux êtres que la vie a blessés.  Il est surprenant de voir comme ces deux artistes règlent leur duo comme le feraient deux acteurs ; sans mot, on peut pour ainsi dire suivre leur dialogue, et toute la nuance de leurs sentiments, de leurs questions, et même de ce qu’ils ne se disent pas, de ce qu’ils ne s’avouent pas. Les regards, les expressions du visage, les gestes les plus humbles expriment toute une palette de sentiments et d’émotions. C’est tout en finesse, en sensibilité, en retenue et d’une profondeur presque vertigineuse.

Dans le troisième acte, la nuit est tombée ; c’est sous un ciel plein d’étoiles que triomphent les libertins sur les jeunes filles qui ont cédé et le regrettent.  Plus de pantalons, plus d’égalité,  plus de robes fleuries non plus, les fleurs sont fanées ; plus de corsets féminins, mais des jupons de tulle noir, des jupes de deuil, dont tout à l’heure, elles revêtiront leur visage et où elles cacheront leurs larmes. L’amour  est consumé/consommé : c’est le temps des larmes, de la désillusion. Les garçons les emportent sans plus de manière, en les hissant sur leurs épaules comme des sacs. Adieu joyeux marivaudage !

Cette petite tragédie qui laisse les libertins tout bondissants s’achève  sur l’ultime face à face où l’amour véritable triomphera – au moins pour ce soir là – entre la jeune femme en rouge, et le garçon au gilet à  fleurs. Les jardiniers retirent l’un après l’autre les vêtements de la jeune femme ;  elle baisse ses armes : c’est une mise à nu de l’âme. Face à elle, le garçon se met à nu aussi.

Prejlocaj fait triompher après les jeux et les larmes un amour sincère, profond, qui tourbillonne. Ciaravola et Bullion ont su donner des accents de sincérité et de candeur désarmantes à ce dernier pas de deux… on se prend à espérer qu’ils seront heureux ensemble, et que cet envol est aussi celui de leurs âmes réunies…

Côté danseurs, je les salue ici tous avec enthousiasme, et notamment Yann Saiz – des dons de comique que je ne lui soupçonnais pas - et la si gracieuse Galloni ! Mais tous excellaient à commencer par :

Les quatre jardiniers  - Valastro, Bodet, Couver, Gaillard - étaient réglés comme du papier à musique !

Le reste de la troupe a créé une connivence entre eux fantastique pour le plus grand bonheur de nos yeux émerveillés ! –

Les demoiselles: Bance, Granier, Kamionka, Laffon, Robert, Westermann, Hilaire, Galloni 

Les Messieurs :   Charlot, Renaud, Saïz, Bertaud, Demol, Gasse, Leroux.

  la troupe, parfaite!

Quelques mots sur cette Belle au bois dormant vue en matinée le 21 décembre

  Albisson, excellente technicienne, aux qualités de danse évidentes - superbe placement, ballon, jolis bras - a pour l'instant une personnalité artistique qui manque de maturité.  Certes, elle n'a que 24 ans et une telle maîtrise technique a son âge est plutôt de bon augure. Il faut espérer qu'elle trouvera sur sa route des aînées pour l'aider à mûrir et comprendre ses rôles; sinon, l'opéra aura en elle une belle technicienne mais pas une artiste.

A ces côtés, Magnenet a eu quelques jolis moments ; mais il est resté sage tout du long, privilégiant une danse la plus propre possible à l'interprétation d'un personnage; sa ligne est belle, il a plus d’assurance qu’il y a quelques temps, il a du ballon,  l’élévation des sauts est là,  - c’était visible dans la variation de la Chasse, plutôt réussie -  et les tours sont très agréables à l’œil.

Il est dommage que ses pieds semblent sans force, ce qui fait que l’énergie ne va jamais jusqu’au bout des mouvements.  S’il était libéré de ce souci technique, - n'y a t'il donc personne à l'opéra pour le faire progresser sur ce point? -  il pourrait sans doute artistiquement donner plus, car le potentiel est bien là. Il y a plus d’abandon dans sa danse qu’il y a quelques temps ; il a mûri.

Le ballet, heureusement,  propose une multitude de petits rôles tous plus adorables les uns que les autres ce qui fait qu'on se console un peu d'un couple un peu décevant par rapport à l'histoire qu'ils doivent endosser et faire partager. Parlons en un peu en détail.

A commencer par Carabosse, à laquelle Sabrina Mallen qui porte magnifiquement bien le somptueux

costume noir et violet,  pourrait donner encore plus de férocité ; face à elle, la poétique, douce mais libertaire fée des Lilas de  Marie-Solène Boullet fait preuve d'une autorité naturelle.

Les fées, merveilleusement ensemble, n’ont pas  toutes brillé de la même façon seules en scène ;   la 3^ème fée d' Emilie Hasboun était plus en retrait que les autres et pourtant, Emilie a  étincelé dans les Pierres Précieuses, tout comme  Laure Adélaide Boucaud et Fanny Gorse.

Cette même Fanny Gorse danse l’ingrate variation de la fée Violente (en rouge) avec ce qu’il faut de violence, précisément. Elle y montre un tempérament passionné et dose savament passion et élégance. Du grand art. Les arrêts brusques, les index tendus, les décalés du buste, le tempérement bouillonant de la fée est bien là, mais sa poésie aussi.

La jolie  fée canari de Marion Barbeau, vive et mutine à souhait – ses bras pourraient être encore plus précis – et celles de  Léonore Baulac ainsi que  Jennifer Visocchi, adorables dans leurs pas de deux complétaient ce tableau des fées, auquel il manque la 6^ème : Valentine Colosante. Sa danse manquait de moelleux et de douceur. Mais   elle a  remplacé au pied levé Laura Hecquet, ce qui peut expliquer cela. En outre, les manches ballons de son costume  remontent trop quand elle lève les bras.

La première fée, Bourdon, danse une variation qui ne met pas en valeur ses qualités.

 Catalabutte – Pascal Aubin –  nous fait éprouver tour à tour le mépris dû aux faibles et la compassion pour ceux totalement dévoués à leur maître  et près à tout pour les servir. La Reine - Christine Peltzer-   pleine de douceur, d’amour  et de pardon est flanquée d’un mollasson de mari, Florent Mélac, plus louis XVI que Louis XIV. Le pauvre homme ne  sait jamais quoi faire, ni quelle décision prendre et reste souvent empoté  pendant que les autres règlent les problèmes à sa place !

  Les chevaliers du premier acte et les amies d’Aurore débordent de vie et d'enthousiasme.

 A la fin du premier acte, on se prend de pitié pour les trois fileuses – Mélissa Patriarche, Chloé Reveillon et Alizée Sicre

Au second acte, les chasseresses et les chasseurs, costumés à la  Watteau  - 100 ans ont passé - évoluent sur fond de ruines. La végétation luxuriante a envahi  les cintres –  et dans ce décor de rêve,  les Dryades évoluent avec légèreté,  grâce, et  poésie. Dommage que le jupon de leur tutu,  soit un peu trop volumineux au niveau des hanches, réduisant  de ce fait leur taille.

Pour le mariage, l’Or de Cyril Mitilian, aux belles lignes, à la danse moelleuse et  sans raideur, et le Diamant de Aurélia Bellet illuminent la scène.

L’oiseau Bleu de Marc Moreau,   un peu trop bondissant lors de son entrée, prend magnifiquement son envol par la suite !

Charline Giezendanner/Florine n'écoute pas vraiment l'Oiseau Bleu ; les petits sauts 4^ème attitude sont décalés, les poignets manquent de préciosité.  Ceci est largement compensé par son charisme.

Le duo Florine/Oiseau semble  animé par un seul et même souffle : superbe !

Les deux chats minaudent, se câlinent et se taquinent– Lydie Vareiles et Axel Ibot – pour le plus grand plaisir du public.

La polonaise et le finale sont enlevés avec bonne humeur et enthousiasme.

Pendant les saluts, mon regard était toujours ramené vers Charline, tellement radieuse et lumineuse !

Aurore était plutôt un crépuscule….

Bref, un beau moment de danse, auquel il manquait cependant de l'émotion comme j'ai pu en voir lors de représentations passées. Je regrette un peu les artistes d'antan. Pontois, pour ne pas la nommer, merveilleuse princesse Aurore,  Fanny Fiat, Céline Talon, Laurent Hilaire... Il m'a manqué la chaleur de ces représentations passées qu'on croit avoir oubliées mais qui hantent sitôt qu'on est confronté à quelque chose de très bien mais d'où l'émotion est absente.

Le mot de la fin :

Placée côté cuivres, il est impossible d’entendre les cordes et les bois qui semblent presque en décalage. C’est très déséquilibré ! Qu’est ce que l’orchestre sonne mal de ce côté ! Alors on entend très disctinctement les «  poum, poum poum » du tuba et pas du tout les violons

C'était affreux surtout sur la variation d’Aurore au 3^ème acte.

Les roses : pourquoi ces affreuses roses jaunes aux horribles pétales mollassons ?

Pourquoi Aurore ne jette t’elle plus les roses la seconde fois pour dire «  non, je ne veux pas des prétendants que vous voulez m’imposer, c’est mon cœur qui choisira ? »

Et enfin, pourquoi des maquillages si sages ?

Où est le bout noir du museau des chats  et leurs moustaches? Les maquillages sont tellement sages que même placé  très près, c’est terriblement fade. Au fond du second balcon, on ne doit rien voir du tout!

Enfin, bravo à tous les artistes qui semblaient heureux sur scène !

 Et rendez vous le 4 janvier pour la Belle avec Heymann/Ould Braham !!!  J'espère que l'émotion sera au rendez vous!

Je viens de regarder le " digest" de cette Belle au bois et au vue des critiques que j'avais lues  autant sur les ratés de Ganio que sur le stress d'Abbagnato, je m'attendais à quelque chose d'assez difficile à regarder

Quelle n'a pas été ma surprise!

J'ai vu une Aurore idéalement interprêtée, toute en délicatesse, en retenue, mais aussi avec beaucoup de tempérament- Abbagnato utilise la grande fluidité de ses bras, ses épaules et son cou pour exprimer toute une palette de sentiments. Elle est vivante, humaine et princesse à la fois; la composition de son Aurore est très réussie. Dans le montage montré à la télé, son Aurore affirme une belle technique.  Les sauts sont extrêmement légers, les piétinés ciselés,  et tout l'adage à la rose a un souffle qui ne retombe jamais. Son entrée est vive, légère, avec des sauts de chats incisifs et primesautiers, comme on en aime à les voir dans cette entrée.

Pour l'adage à la rose, on lui repproche son peu  d'amplitude dans les développés secondes? Pontois ne les avait pas non plus! Il n'empêche quelle mène ce difficile adage jusqu'au bout, sans perdre un seul instant son personnage : courtoise, certes, avec les 4 princes, mais déterminée! Aimable, bien sûr, mais sans pour autant se laisser impressionner...

J'ai particulièrement aimé sa variation du 3ème acte : idéalement danseé pour moi! c'est exactement ce genre d'interprétation que je rêvais de voir, et Abbagnato associe à une grande préciosité beaucoup d'élégance, de jeunesse et de fraîcheur!

Elle s'y montre extrêment musicale; elle a une façon de faire les petits retirés du début avec ce quelque chose qui montre à la fois sa délicatesse, son statut de princesse, mais aussi son caractère bien trempé.  Le passage avec le mouvement des avant bras et le pied arrière qui glisse au sol est magnifique, alors que chez bien des danseuses il est ridicule!

Quand à Matthieu Ganio, quel beau Prince! Elegance, grande amplitude dans les sauts, ligne superbe qui convient parfaitement bien à ce style de danse et de rôle

Alors oui, il ne ferme pas ses 5ème après les doubles tours ou assemblés? Il rattrape ses petits manques par une poésie et une âme que je préfère mille fois voir à une interprétation propre mais sans coeur

Dommage que la télé n'ait pas proposé la grande variation de l'acte 2 écrite par Noureev

Je  profite donc de ce  blog pour saluer leur interprétation et les remercier de ce grand moment de poésie. Les mots qui  décrivent ce que je viens de voir sont : poésie, sensibilité, âme et fraîcheur...

Tout comme je salue aussi le poétique et miraculeux pas de deux de l'Oiseau Bleu, avec Heymann et Ould Braham

Une perfection!!!!

Pour ma part je verrai la distribution Albisson/Magnenet  puis Ould Braham/Heymann

J’avais pris des places pour deux raisons ; la première, pour voir Nicolas Leriche que je n’ai pas vu depuis Rendez vous ou Appartement, car ces 8 dernières années, j’ai joué de malchance quand aux grands Noureev : blessure, ou partenaire blessée, ou grève… (Le Lac, Casse Noisette, Le Prince de Cendrillon…)

Comme Nicolas termine sa carrière à l’opéra cette année, l’occasion était trop belle de le revoir une fois encore. Il aura durablement marqué mes 15 dernières années de spectatrice…

La seconde, est que je suis très sensible à l’esthétique et l’univers de Teshigawara.

C’est une histoire de coup de foudre. Elle a commencé avec Air, créé pour l’opéra de Paris en 2003 ;  alors que les trois quarts des spectateurs criaient à la fumisterie chorégraphique, j’étais complètement envoûtée par le travail sur l’air précisément qui était fait dans cette œuvre, où les corps comme dématérialisés semblaient se mouvoir en apesanteur. Une intense poésie se dégageait de l’ensemble ; Miteki Kudo, irréelle, était comme l’écume, ou comme un nuage qui  bouge, prend et change de forme au gré du vent, une simple petite brise la plupart du temps, comme le  zéphir de l’été.

Quand à Jérémie Belingard qui participait déjà à cette création, il était à la fois un concentré d’énergie toute intériorisée, de douceur, de fluidité, et d’intensité, parvenant sans peine à superposer plusieurs états en un seul et à les faire ressentir au spectateur.

A la fin du spectacle, les pensées avaient changé, comme si le mental avait trouvé une telle source de saveur, que nourrit, il s’était apaisé…

Teshigawara, artiste atypique, n’a pas fait de la danse son art favori ; il l’envisage comme un plasticien et traite à égalité la bande-son, les éclairages, les costumes, les poèmes, le dispositif scénique. Il a une conception globale de son ouvrage où le mouvement s’intègre à tout le reste, n'en est qu'un des composants.  

Ma deuxième rencontre se fit grâce à Arte qui diffusait Absolute zéro exécuté par le chorégraphe lui-même et sa partenaire d’alors. J’ai tout de suite adhéré à l’espace scénique blanc et noir, à l’économie du geste entièrement intériorisé mais qui en se déroulant donne à sentir tout un univers, à la justesse du mouvement. On a l'impression d'assister à quelque chose de sacré.  

Pourtant, Teshigawara le dit lui-même : il n’y a rien de spirituel dans son travail.    

Darkness is hiding black horses

Avant de venir à l’opéra dimanche, je n’avais assisté ni à la répétition publique, ni lu les nombreuses interwiew ou autres qu’on trouve ici et là et qui bien souvent me donnent la migraine plus qu’autre chose. C’est donc en ne sachant presque rien de l’œuvre que je me suis retrouvée dans la salle.

Une œuvre en mouvement

Il faut savoir qu’à l’origine, cette œuvre devait être une création pour quatre danseurs – Dupont – Gillot- Bélingard- Leriche

Gillot ne fait pas sa saison pour l’instant à l’opéra de Paris,  il ne restait donc que trois danseurs, ce qui ne posait aucun problème au chorégraphe. Ce trio est devenu un duo hier, car Leriche, visiblement blessé depuis jeudi dernier, devait être remplacé par Marc Moreau, qui s’est blessé  à son tour, quelques heures avant de monter sur scène. Dupont et Bélingard ont quand même voulu donner la représentation et je les en remercie du fond du cœur.

J’ai assisté hier à une œuvre à l’esthétique parfaite, pleine d’émotion. Rien de révolutionnaire, non. Du blanc, et du noir, un espace où surgissent parfois des vapeurs de fumée verticale et qui quadrillent, délimitent, morcellent l’espace, suivant.

Une bande-son emplie de bruits de nature, ou de sons plus angoissants… bref, des choses déjà utilisées ailleurs.

Alors ? Et bien, tout cela a fait naître un poème d’une intense douleur emplie d’espoir. Tout commence avec Aurélie Dupont, qui, debout dans un espace noir, tente de faire naître un peu de lumière. L’espace scénique est envoûtant : Teshigawara donne au noir une texture et une profondeur. C’est un noir d’encre, un noir de sèche, épais, qui engloutit tout à l’entour ; et la frêle Aurélie se tient là, droite, fragile, prête à disparaître et pourtant, bien décidée à diffuser, à irradier la lumière qu’elle est. Elle lève timidement les bras, elle ouvre l'espace.

Quand Jérémie Bélingard la rejoint, on assiste, hypnotisé, à une danse où le corps s’étire  à l’infini, jusqu’au bout des ténèbres comme pour les repousser, ou au contraire se contracte  en un point infime, pour leur échapper. La lumière  l'éclaire un peu, tente de le protéger. Que le mouvement soit fluide ou saccadé, il est toujours juste, terriblement vivant. Bélingard danse avec un instinct quasi animal qui bouleverse. On atteint grâce à lui à la Beauté absolue.  Car  le danseur disparaît dans la danse : cet abandon viscéral au mouvement qui se fonde à la musique et à l’espace donne une force, une cohérence, une intensité à cette œuvre qui submergent le spectateur à tel point qu’il est «  stupéfixié ».

Ce duo  oppose  les ténèbres et la lumière, un peu comme au début d’une cosmogonie. L' œuvre poétique, intense est  douloureuse mais l’espoir cependant n’est jamais absent. Les vapeurs qui surgissent plongent le spectateur dans un rêve, un peu comme ceux mis en scène par Kurosawa (Dream). On est à notre tour  happé dans cet espace d’où on ne veut plus sortir.  On veut rester là à jamais,  la pensée suspendue, jusqu’à comprendre l’origine du monde peut être, ou de soi même. Ou encore  accroché à la beauté qui fait taire le mental.

Un grand, grand merci pour ce moment hors temps plein de poésie et d'intensité.

Du coup, il m’a été quasiment impossible d’être présente à la suite du spectacle, je voulais tellement rester avec Teshigawara que je n’ai pas pu être vraiment là pour Trisha Brown, dont j’aime pourtant infiniment son Glacial Decoy et ses lignes qui se décalent, et laissent à sentir un espace  qui se prolonge au-delà de la scène et encore moins au Doux Mensonges, dont je n’ai pu qu’écouter la musique, diviniment chantée et dirigée par les Arts Florissants.

De Glacial decoy, me parvenaient des silhouettes angéliques, mutines, qui jouaient avec les lignes, dans un silence bienveillant. Des êtres ailés, interdépendants les uns, les autres, comme ces silhouettes découpées dans du papier qu'on déploie pour les fêtes et qui bougent toute ensemble, solidaires. Je n'ai pas trouvé que les demoiselles étaient toujours très ensemble d'ailleurs, mais je n'étais pas non plus très objective. J'ai trouvé le tout un peu scolaire, pas aussi vivant que dans mon souvenir, mais il faut dire que Trisha est malade et n'est donc pas venue régler l'ensemble; cela se sent.

Pour Doux Mensonges, seule Abbagnato me ramenait régulièrement vers la danse, car mon esprit était entièrement tourné vers la musique, vers la beauté des voix, inintéressée que j'étais par ce qui se passait sur scène et qui me semblait si fade, après le Teshigawara. J'étais encore avec Jérémie et Aurélie et j'aurais voulu en voir plus...  Parfois je regardais le grand drapé orangé au dessus des danseurs, espérant le voir évoluer comme les fumigènes du Teshigawara; allait il  devenir nuage, vapeur, écume?

Les vidéos m'ennuyaient, alors que je les avais beaucoup aimées les premières fois...

Il ne me reste donc de Doux Mensonges que la silhouette d'Abbagnato et son charisme inégalable. Dans cette oeuvre, sa technique est vraiment mise en valeur, elle y est sublime.

A venir : un article plus complet sur Teshigawara