Qu'est ce que la danse kalbeya?

C'est l'une des danses les plus mystérieuses, fascinantes et envoûtantes que j'ai découverte tout récemment, grâce à Simona Jovic, danseuse rom.

D'où vient t'elle?

Du désert du Thar, qui est l'un des grands déserts du monde, situé dans le Nord de l'Inde, au Rajasthan. Le Pakistan n'est pas loin, et musicalement, je m'en suis tout de suite rendue compte en écoutant la musique.

Dans ce désert, vit la caste des Kalbeyas, qui est  celle des magiciens et des charmeurs de serpent. Non, non, nous ne sommes pas dans le tombeau Hindou de Fritz Lang, et la danse n'a rien à voir avec celle de Debra Paget, même si il y a un point commun, le cobra!

Au son du pungi, sorte de clarinette au corps rond, le cobra sort de son panier. A ce moment, la danseuse danse en décrivant sur le sol un grand cercle qui sera le domaine du cobra. Sa robe est noire, sa jupe très vaste, elle porte parfois des pantalons dessous, et a des sonnailles à ses chevilles pour bien marquer la structure binaire de la musique.

A partir de là, elle va improviser,comme c'est le cas pour toutes les danses et les musiques rom.

Rom?

Oui, gyspsy, tziganes, ghawazee... ils viendraient tous de là, de cet endroit du monde, du désert du Thar... quelques siècles avant JC, il semblerait que certains aient déjà quitté le Rajasthan et soient partis vers les plateaux iraniens, la Turquie. Mais c'est au 13ème siècle que leur exode va commencer, car ils sont chassés... ils partiront pour un long voyage, un long exil, et emporteront avec eux leurs musiques, leurs danses, qui, au cours de leur rencontre, s'enrichiront de ce qu'ils trouveront en chemin... c'est ainsi que vont naître toutes les musiques et danses tziganes, qu'elles soient turques, egyptiennes, d'Europe de l'Est, Russe, Espagnole... chacune, bien sûr, ayant développé au fil du temps ses caractéristiques propres. C'est par la musique et par la danse, par leur sens de l'improvisation que ces peuples rom ont gardé leur identité. Mais la source est commune:

Le Style

D'ailleurs, ce qui fut fascinant pendant le stage que je fis avec Simona Jovic, fut de retrouver beaucoup d'éléments qui appartiennent aujourd'hui au flamenco, aux danses tziganes : comme les accents d'épaules, les accents avec la tête, les petits accents avec les poignets, de multiples détails qui font la saveur de ces danses, car si le vocabulaire est commun, la façon de le prononcer change considérablement d'un endroit géographique à l'autre! Ainsi les mouvements sont plus ou moins marqués, exécutés sur des tempi qui changent, et bien évidemment, les instruments ne sont pas les mêmes non plus d'un pays à l'autre.  Les accents de hanche, communs à beaucoup de danses rom, sont   très vifs, très marqués, dans la danse kalbeya  et ils  s'accompagnent souvent de jeux de bras, de mains : tout est en mouvement. Mais au delà de la grande liberté des mouvements, le style est très défini par une multitudes de détails qui font toute la différence et qui, mal exécuté, font perdre le sens de la danse elle même.

Il fut tout aussi savoureux de retrouver des éléments qui appartiennent aux danses indiennes du Nord, comme le kathak : les danseuses  très souples, exécutent des cambrés impressionnants pour attraper avec leurs bouches ou même leurs paupières, toutes sortes de petits objets posés sur le sol. La position des doigts en "lotus"  est commune aux danses indiennes, mais la où le barahta natyam est très géométrique, très posé, très contrôlé, la danse kalbeya, elle,  a un côté complètement exubérant, vif, libre, joyeux, spontané, lancé dans l'énergie. Les sonnailles aux chevilles sont communs aux danses indiennes aussi.   De même que les tours qu'on retrouve non plus en baratha natyam, mais dans les danses kathak : les danseuses kalbeya ou Sapera ( qui veut dire serpent) les utilisent beaucoup en tournant longtemps sur place ce qui est très envoûtant. Elles peuvent ou non incliner la position de leur buste, jouer avec les bras, et marquer les accents par des gestes du poignets, des mains. Et leurs grandes jupes, leurs voiles délicats sur leur tête tournent avec elles. 

Ces danseuses dansent aussi beaucoup au sol, sur les genoux, et elles exécutent des mouvements de hanches, d'épaules, montrent leur souplesse.

Improvisation et transmission

Rien n'est structuré, rien n'est préparé, et la danse kalbeya est l'une des danses les plus vives que je connaisse. Visuellement, elle a quelque chose de très mystérieux, comme si les danseuses, par leur danse, lançaient des charmes, ou se livraient à quelques rites magiques.

La transmission, comme c'est le cas pour toutes les danses de cultures rom, se fait de père en fils, pour la musique, de mère en fille pour la danse. On regarde les grands, on imite, on apprend.

Si la transmission orale cesse, si la raison d'être de cette caste disparait, toute la culture mourra du coup elle aussi. On dit que cette caste kalbeay divertissaient autrefois les Princes. Itinérants, ils voyageaient et lorsqu'ils s'arrêtaient quelque part, ils montraient leurs tours, leurs serpents et leurs danseuses, un peu comme nos ménestrels, nos montreurs d'ours du moyen Age.

Aujourd'hui, ils se produisent dans les grands festivals qui sont donnés au Rajasthan et aussi pour les touristes. Ainsi, existe le risque qu'au fil du temps toute cette culture disparaisse ou se perde, ou même change... le pire peut être, serait le phénomène d'aculturation qui a touché déjà tant de pays...

S'initier soi même!

Ce qui est fabuleux lorsque l'on s'initie soi même à une danse, c'est qu'on la vit de l'intérieur et que tout de suite, on la comprend mieux puisque c'est le corps qui est sollicité et pas seulement l'esprit.

J'ai donc fait pendant ces quatres heures un long voyage qui m'a emportée beaucoup plus loin que d'habitude car cet univers m'était étranger, même si musicalement, j'ai trouvé bien des points communs avec la musique qawali.

je remercie vivement Simona Jovic qui sait rendre accessibles, vivantes, passionnantes toutes ces danses du peuple rom.

J'attends avec impatience le prochain stage!!!!

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Simona Jovic

site : http://www.simonajovic.com/

Qui est elle? C'est Simona Jovic! Une danseuse rom qui est une de mes coups de coeur de l'année 2005! ( Mon autre coup de coeur pour Rachel Brice!) Comment l'ai-je découverte? Grâce à une annonce de ses stages sur un des nombreux forum de danse que je visite! Que proposait-elle? Un stage de danse rom d'Europe de l'Est! Qu'est ce qu'on y apprend?

A danser comme j'ai toujours aimé danser! Avec une impression de liberté, de ne faire qu'un avec la musique, souvent poignante, qui réveille des émotions très fortes en soi...

Lorsque j'ai découvert Simona et les danses dites tziganes d'Europe de l'Est, j'avais une toute petite expérience de la danse folklorique hongroise et russe que mon professeur de danse classique nous avait enseignée. Inutile de dire que j'adore ces musiques exubérantes, pleine d'ardeur, de vie, de flammes et de larmes. Tout l'être humain est exprimé la dedans, mais au lieu de pleurer sur son sort, sur son exil permanent, sur sa mauvaise réputation, le tzigane le danse,  le chante...

Au stage de Simona Jovic, j'ai appris les pas de bases de ces danses qui vont du sautillement et claquement de doigts à contretemps ( comme les guitare dans ces musiques qui ont souvent un rôle rythmique pour marquer les contretemps), au maniement de la jupe, du châle, au balancement des hanches... les hanches sont aussi mobiles que dans la danse orientale, mais la comparaison pour moi s'arrête là! Il y a une expressivité dans les danses tziganes qui n'a rien de décoratif, de " divertissant", de danse "seulement joyeuse", comme sont trop souvent montrées et dansées  dans les danses dites   "orientales"! Pour les danses tziganes,  l'émotion   est profonde, et on se sert de  celle que  l'on porte au fond de soi, sans tricher, et  sans forcément la montrer sur son visage. L'émotion guide la danse, mais en aucun cas, on ne se travestit, on ne joue.  Les frappes de pieds, plus légères que dans le flamenco, qui fait partie de la même famille, expriment toute une gamme de sentiments qui va de la fierté à la détresse, en passant par la simple mais forte  joie de danser ses peines et ses joies. Car, comme l'a écrit Simona dans un très bel article paru dans Passion Oriental, "c'est souvent la seule chose qui restait au peuple rom", cette liberté d'expression...

Simona n'enseigne et ne danse pas que les danses tziganes d'Europe de l'Est. Elle danse aussi les danses flamencos, les danses ghawazees, cocek, Kalbeya... et c'est l'une des seules actuellement à avoir apprivoisé toutes ces danses qui entretiennent de curieux liens de parenté les unes avec les autres... c'est toute une histoire que je vous raconterai bientôt!

Je dois justement faire un stage de danse Kalbeya samedi 21 mai... ainsi, j'aurai l'occasion de vous parler davantage de Simona Jovic, de cette mystérieuse danse kalbeya et aussi de vous parler du peuple rom....

Quand en 1891 Oscar Wilde écrit en français sa pièce de théâtre en un acte "Salomé", le thème est déjà très à la mode. Avant lui, Heine, dans Atta troll, Swinburne, Mallarmé, Banville, Laforgue, se sont déjà largement inspirés du thème. Wilde cependant innove. Il retient l'idée déjà exprimée avant lui d'une Salomé qui découvre un désir violent pour Jean Baptiste qui la repousse dans sa prison :

Extrait de la pièce de Wilde :

" Iokanaan! Je suis amoureuse de ton corps, ton corps est blanc comme le lis d'un pré que le faucheur n'a jamais fauché! Ton corps est blanc comme les neiges qui couchent sur les montagnes de Judée! (...) il n'y a rien d'aussi blanc que ton corps! Laisse moi toucher ton corps!

- Arrière, fille de Babylone! C'est par la femme que le mal est entré dans le monde! Ne me parlez pas. Je ne veux pas t'écouter! Je n'écoute ques les paroles du seigneur!"

On voit que le langage de Salomé rappelle beaucoup celui de des Cantiques des cantiques, dans l'Ancien Testament.

Mais Wilde rappelle par la bouche de  Iokanaan ce qu'il en est de la femme à son époque.... c'est par elle que le mal est entré...

Salomé va t'elle se décourager?

Mais les sept voiles, alors?

Nous y voilà! Salomé n'est plus la douce jeune fille obéissante, qui sur l'injonction de sa mère, doit séduire Hérode. C'est elle même qui décide de danser, car son désir pour Baptiste l'a embrasée toute entière. Et elle dansera, malgré l'interdiction d'Hérodiade, sa mère. Elle demandera à ce qu'on lui amène les sept voiles. C'est la première fois que cet accessoire apparaît. Salammbô, la soeur de Salomé  suivant les propres termes de Wilde, l'a  sûrement inspiré,    notamment le chapitre intitulé " le Voile de Tanit"

Je ne me lancerai pas dans une explication psychanalitique, des centaines d'auteurs l'ont déjà fait, chacun y allant de sa projection personnelle... de son fantasme personnel. Je préfère vous livrer quelques dialogues....

Extrait :

Salomé : vous avez juré, Tétrarque!

Hérode : Et je n'ai jamais manqué à ma parole! (...) et bien Salomé, qu'attendez vous?

Salomé : J'attends que mes esclaves m'apportent des parfums et les sept voiles et m'otent mes sandales.

Hérode : Ah! vous allez danser pieds nus! c'est bien, c'est bien! (...) ah non, elle va danser dans le sang! il y a du sang par terre!

Hérodias: qu'est ce que cela vous fait qu'elle danse dans le sang? Vous avez bien marché dedans, vous!

(...)

Salomé : je suis prête!

Voilà l'intrigue. Il est étonnant de lire les critiques de l'époque et de constater qeu cette pièce suscita autant l'admiration que la critique violente. Loti aimait beaucoup l'oeuvre.

Salomé danse pour obtenir la tête de Jean Baptiste, qu'elle portera dans un long plat d'argent, comme l'Hérodiade de Heine ( il y a eu confusion entre Hérodiade et sa fille mais l'explication est aisée, puisque le nom de Salomé ne figure nulle part comme lié à la mort de Jean Baptiste). Et elle l'embrasse. De dégoût, Hérode la fait écraser par ses soldats sous leur bouclier.

C'est la fin de la pièce et la mort de Salomé, horrible, éclipse du coup celle de Jean.

En 1905, Strauss demandera à son ami Romain Rolland si l'oeuvre est écrite dans un bon français car il veut en faire un opéra. Comme pour Elektra, l'opéra sera en un acte.  Il écrira une partition pour la fameuse danse des sept voiles, qui est une musique étrange, inquiètante et violente. Les mises en scène qui se succéderont insisteront plus ou moins lourdement sur cette danse des sept voiles, jusqu'à mettre dans les années 1970 Anja Silva en resille, soutien gorge et porte jaretelle... la lecture des pièces inspirent lourdement les metteurs en scène masculins....

Après le scandale de l'opéra ( interdit a Vienne, entre autre) le thème de Salomé continua d'inspirer beaucoup. On dit que trois mille poèmes circulaient encore en 1900.

Un mot avant de clore pour aujourd'hui sur les illustrations de la pièce de Wilde. Lorsque celle ci fut publiée en anglais en 1894, trois ans avant le  Dracula de Storker, un autre damné, Wilde choisit un jeune auteur du nom de Aubrey Beardsley. Mais il le regretta amèrement :

Voici ce qu'écrira Wilde à ce propos : " Ma Salomé est une mystique, une soeur de Salammbô, une sainte Thérèse qui adore la lune (...) Les illustrations ressemblent aux griffonnages impretinents faits par un écolier précoce dans les marges de ses cahiers. "

Malheureusement pour Salomé, ces illustrations sont liées aujourd'hui à elle et à la pièce... 

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qui est Salomé?

Salomé : de l'histoire au mythe

Salomé et les Evangiles

a venir  sur ce blog:

extraits d'oeuvre

Salomé, Salammbô,Ishtar...

N'hésitez pas à m'écrire ou a poster sur cet article si le thème vous inspire!!!!

Béjart sera à l'affiche du 19 juin au 14 juillet à l'opéra de Paris.   

Au programme seront donnés:

 Boléro,

le Mandarin Merveilleux   

Variation pour une porte et un soupir, qui entrera d'ailleurs au répertoire de l'ONP.

Une fois encore, je me réjouis de sa venue!

première partie de l'article! suite le 10 mai

Mais qui est Béjart?

 Maurice Béjart fait partie des chorégraphes aux univers si riches, si profonds, que quelque chose en soi  change irrémédiablement après avoir vu une de ses oeuvres.  C'est aussi cela, la magie de l'Art. Bouleverser  notre manière de voir les choses, enrichir notre univers intérieur en l'approfondissant,  renouveler notre idée de la beauté, et pour la danse, renouveler notre idée du mouvement.

En 1982   j'ai découvert pour la  première fois sa compagnie   dans l'incroyable " Notre Faust".  La Messe en Si de Bach épousait le tango argentin...L'audace du montage musical,  la force de la chorégraphie, l'excellence de ses danseurs étaient quelque chose que je n'avais encore jamais vu sur scène : un vrai choc!

Ensuite, régulièrement, j'ai été applaudir ses créations. Les plus beaux spectacles de ces dernières années restent pour moi Brel et Barbara et Le Presbytère. Béjart ne faisait, avant ses dernières années, jamais de reprise. C'est à l'occasion des trente ans du Sacre du printemps, que l'idée de reprendre certaines de ses oeuvres s'est finalement imposée à lui.

On dit méchamment qu'il ne se renouvèle plus. Lui n'en a cure, moi je ne suis pas d'accord. Il y a une fraîcheur dans son Brel et Barbara, une jeunesse, une vitalité, une inventivité qui donnent tort à ses détracteurs... et puis, qu'importe, son oeuvre est là!

L'an dernière, un spectacle retrospectif a été donné au Palais des Sports à Paris, intitulé " l'amour, la danse". J'en retiens le magnifique et si émouvant Gil Roman, dont les pas collent à la musique de Brel,  la talentueuse et longiligne Elisabeth Ross, les sept danses grecques, superbes et toujours modernes, le Sacre, qui lui non plus n'a pas pris une ride...

Béjart a non seulement beaucoup chorégraphié mais aussi beaucoup écrit. Je retiens parmi ses livres :" lettre à un jeune danseur", et  " un instant dans la vie d'autrui"

Boléro

On ne peut évoquer Boléro sans aussitôt voir Jorge Donn, sa démesure et son génie envahir tout l'espace d'un film de C Lelouch.

Boléro est une oeuvre qui peut être dansé par un homme ou une femme. Nicolas Leriche et  MA Gillot se partageront ce Bolero.... cela promet d'être intense et émouvant. J'ai vu Guillem et sa flamboyante chevelure le danser, et à la télévision, Maia Plissestkaia, que Béjart aime tout particulièrement.

  Boléro fait partie de ses oeuvres universellement connues... et souvent mal comprises. Elle avait été composée pour Ida Rubinstein, en 1932,qui, sans être une grande technicienne, avait ce quelque chose d'unique qui illuminait la scène, un vrai charisme.

Béjart s'en est emparé et a créé une oeuvre étonnante.

L'oeuvre de Ravel utilise plusieurs " ingrédients" qui la rendent envoûtante. Deux phrases musicales, très longues, toujours répétées deux fois, l'une jouée en majeur et l'autre en mineur, se déroulent  tout le long de l'oeuvre, soutenues par une   rythmique obsédante, base de cette danse espagnole : immobilité et mouvance créent l'ombre et la lumière de l'oeuvre. Le deuxième thème est plus oriental que le premier, tout entortillé sur lui même. Il évoque presque un serpent sortant de son panier!  La flûte fait une entrée   doucement lumineuse, puis tour à tour les bois entrent, jusqu'à l'irruption étonnante du célesta...  peu à peu, quelque chose d'impétueux, de sauvage va s'emparer de l'orchestre... cela est très net après l'entrée impérial des violons, rendus fougueux par leur longue attente. Le trombonne, ironique et décalé,  y va de son solo un peu jazzy, le hautbois y va de son ton un peu triste, le saxophone apporte une touche stylée inattendue. Peu à peu, tout l'orchestre s'empare de ses deux phrases, si longues, qu'il est difficile de les retenir vraiment... il manque toujours une note quand on les chante...

Monotone, Boléro?

non, plein de mystère, de fougue, de poésie, de scintillement, d'humour... Boléro se déroule comme un ciel infini et immuable où passent les nuages... toujours les mêmes mais aux formes sans cesse renouvelées...

Quand à la chorégraphie...

Un homme/femme danse sur un table ronde, au milieu d'un groupe de danseurs. Au fur et à mesure de l'entrée des instruments, les danseurs autour de la table interviendront.

On peut imaginer toutes sortes de choses : une corrida avec mises à mort, un rite sacré très ancien... l'oeuvre peut se livrer aux débordements de l'imagination de chacun.

La danse commence par le jeu du bras qui se lève et s'abaisse... mais peu à peu, elle va devenir sensuelle, violente, sauvage, jusqu'à la possession du danseur par la musique... Le corps se balance, les hanches se meuvent avec sensualité, le buste frémit, le corps tout entier est pris par le rythme lancinant du Boléro et la passion de l'orchestre.

Par ailleurs ce qui fait la magie de Bolero est l'aspect féminin/ masculin de la chorégraphie

Les jeux de bassin sont féminins, lascifs parfois, avec une utilisation très orientale. On trouve des accents, des déhanchements, des ronds de bassin dont l'accent se finit sur le côté. Même chose pour le buste. Le balancement du corps, son oscillation, le jeu des bras, tout cela est fluide, souple, du domaine du féminin. Les bras serpentent, les mains et les poignets aussi.

En opposition, la présence des garçons,  le travail de leur buste, la force qui se dégage de leur attitude, de leur pose, leur nombre, apporte un élément masculin puissant.

Le soliste doit à la fois puiser dans sa féminité pour apporter l'élément " oriental" de la danse, et dans sa force pour, déjà, tenir les quinze minutes, et surtout pour que les sauts, les battements, les jetés de bras, les expressions du visages soient fougueux passionnés,  pleine de force, ce que par exemple Plissestkaia ou Guillem réussissent merveilleusement bien que femme.

Ce double aspect féminin/masculin dans cette chorégraphie est sûrement ce qu'il y a à mes yeux de plus fort, de plus troublant, et qui donne ce côté hautement érotique à l'oeuvre.

Savez vous que ?

d'une version à l'autre, Boléro dure de 13' 55 minutes à 16'02...

C'est l'oeuvre la plus jouée dans le monde.

Suite de la présentation des oeuvres demain....

renseignement et réservation :

www.operadeparis.fr