Cela peut paraître curieux, mais je n'avais alors pas posté mon compte-rendu sur ce blog.  J'en ai eu envie cette année au milieu de cette série de Lacs un peu bancale, où il y a toujours quelque chose qui cloche. A l'époque Park n'était pas encore étoile. Sa nomination aura lieu deux ans plus tard.  Comme j'aurais aimé les revoir cette année en plus de ma soirée avec Ould Braham et Moreau.

Qu’est-ce qu’une soirée parfaite ? Une soirée dans laquelle tout le monde raconte la même histoire, dans une harmonie et une émotion hors du commun. Ce fut le cas le 5 mars 2019, avec des solistes portés par un corps de ballet lyrique ou dynamique à souhait, suivant les actes.
 
Dès le premier acte, Mathieu Ganio incarne un prince d’une bienveillance absolue avec chacun ; il a un grand cœur, mais pas de sens pratique. Son mentor – excellent JL Quer- essaie de lui insuffler un peu le sens des réalités, des responsabilités, de l’ancrer dans une vie présente,  mais il est en peine, non pas à cause de la mauvaise volonté du prince  mais de l’aspiration de celui-ci vers un ailleurs qu’il est incapable de définir lui-même. La reine lui rappelle pourtant qu’il doit songer à se marier ; Siegfried devient songeur ; il prend conscience que le temps passe, que le devoir le rattrape et un poids semble tout à coup peser sur lui. Seule, la vue de l’arbalète lui rend son sourire : il vit encore dans le monde. merveilleux de l’enfance où tout est possible. Aussi n’est-il guère étonné par sa rencontre avec Odette qui n’appartient pas au monde réel et prosaïque de la cour.

Sae eun Park, reine-cygne puissante et incroyablement fragile à la fois, se montre très protectrice avec ses sujets ; mais que le prince ne lui en conte pas : elle ne croit pas à l’amour au premier regard. D’abord, celui-ci s’incline devant elle avec respect en apprenant qu’elle est née princesse. Il la sauvera de l’enchantement et lui jure un amour immortel ; sa candeur, son émerveillement, sa bonté immense, sa tendresse révèlent un être tellement désarmant de gentillesse qu'Odette au terme d’un long d’un pas de deux d’une intense poésie, se laisse fléchir et se met à espérer. Pendant sa coda, ce fragile oiseau blessé ou bien cette princesse  évanescente, évoque Hamsa, le cygne en sanskrit, symbole de pureté et du souffle lui-même. Déterminée, mais fataliste, Odette exprime sa désolation d’être sous le joug du magicien et son peu d’espoir d’être sauvé par Siegfried, éperdu d’amour et d’admiration pour cette créature irréelle, volatile, qui incarne si bien son rêve intérieur.

À l’acte 3, Odile charmeuse, enjôleuse, joue avec le prince comme une jeune chatte avec une souris. Celui-ci exprime dans sa variation toute l'ardeur juvénile du premier grand amour.  Mais la supercherie brise net cet élan de vie qui avait tout juste commencé à battre en lui.
 
Au dernier acte, Odette accueille le prince avec douleur, mais aussi une infinie tendresse ; elle ne peut lui en vouloir d'avoir trahi son serment, car dès le départ, elle savait ce qui les attendait l’un et l’autre, pour lui, la mort et pour elle la captivité éternelle ; leurs adieux sont interrompus par le magicien impitoyable.

Mathieu Ganio et Sae Eun Park nous ont raconté un conte avec un talent porté à son plus haut point d’expression artistique ; leur  technique est entièrement au service de la narration et des émotions. Ils dansaient, comme le reste du plateau d’ailleurs,  EN musique et non SUR la musique. Tout le plateau a suivi et  la Valse, la danse des coupes, les danses folkloriques étaient un enchantement. Les cygnes avaient trouvé un moelleux et un lyrisme qu’ils n’avaient pas le 17 février. Chose étonnante, comme le chœur antique, il faisait contrepoint aux propos du cygne et du prince, complétait l’histoire.

Il faudrait aussi rendre justice à tous les autres solistes : JL Quer, qui a su incarner un Rothbart singulier et puissant  au et un magicien machiavélique et cruel  ; au pas de trois, plein de fraîcheur  ( Philbert, Duboscq, Magliano) ;  aux quatre grands cygnes, qui volaient littéralement  Gorse, Viikinskoski, Hasboun, Boucaud  (d’habitude je trouve cette variation peu gracieuse, là elle était puissante !) et qui faisaient contrepoint aux quatre petits cygnes fragiles et délicats (Ganio, Catonnet, Scudamore, Verdusen) ;   à Scudamore et Docquir  ( Czardas) ; à Ganio et  Vigliotti (Napolitaine) ; à Gorse, Mallen, Lorieux et Chailloux (Espagnols) ; aux six ravissantes fiancées, si fraiches !

Mathieu Ganio est un artiste magnifique, et Sae Eun Park s’est révélée d’une grande intelligence dans ce rôle, qu’elle a su faire sien sans le trahir, avec une technique de haut vol.
Eh oui, Cathy : j’ai compté : 16 doubles et 12 simples ! Tout cela dans un mouchoir de poche, et c’était bien le triomphe du cygne noir qui, comme le disait Petipa, tourne sur lui-même en faisant de grands cercles dans l’eau.

Il y a actuellement des débats au sein du ballet de l’opéra de Paris sur un certain nombre de questions. Au gré des interviews des danseurs, on voit nombre de questions et de sujets qui sont soulevés, tous intéressants car en phase avec cette société en pleine mutation qui a du mal à se recréer. On en sent l’urgence, mais on voit bien qu’il y a aussi des limites difficiles à surmonter pour changer de fond en comble cette société figée dans le passé qui n’arrive pas, par exemple,  à régler la question climatique...

Les questions qui reviennent le plus chez les danseurs sont celles liées :

1. à l’origine et à la couleur de peau, autrement dit à la diversité,
2. au sens des ballets classiques et à leur raison d’être aujourd’hui,
3. au wokisme comme un nouvel éclairage pour l’art,
4. au concours qui n’a plus de raison d’être, ou en tous cas qui n’est pas si juste que ça
5. à la hiérarchie, bizarrerie française au sein d’une compagnie de danse qui divise les danseurs en 5 groupes : quadrilles, coryphées, sujets, premiers danseurs/ étoiles (sur nomination)

Dans son livre, Germain Louvet soulevait ces questions, mais dans le même temps, il distribuait d’un ton péremptoire des leçons de morale « à tous les vieux cons du monde, hétéro, blancs, friqués » (c’est moi qui l’écris, je traduis sa pensée). Sans doute est-ce la fougue de la jeunesse qui lui souffle de refaire le monde ? Car en 1980, pas argentée du tout, en analyse, car j'ignorais si j'étais fille ou pas, avec des amis gay et lesbiens en veux-tu en voilà, j’allais tout le temps à l’opéra de Paris et dès la maternelle, je prenais la défense des enfants de couleur dans la cour de l’école et même face à mon père militaire hyper raciste qui m'en a collé plus d'une dans la vie!  Hey ! Germain ! Es-tu sûr de connaître ton public ??? Moi aussi je suis syndiquée  et si je gagne mieux ma vie aujourd’hui, ça ne me permet pas de m’offrir les catégories optima, 1^er ou 2e ! Je me rabats plutôt sur la 4e ou 5e….

Ce ton moralisateur m’avait insupportée, car il ne laissait aucune place au débat, mais c’est dommage, car les questions posées enrichissent plus l’esprit que des réponses toutes faites.

Et tu sais, Germain, Verdi appelait déjà l’opéra de Paris «  la grande boutique » ça ne date donc pas d’aujourd’hui, cette vision d’une vitrine à fric… !

Voilà pour le préambule !

J’ai envie à travers une série d’articles de soulever les questions posées aujourd’hui dans cette compagnie (j’ai vu mon premier spectacle en 1974 avec Bessy, Motte et Pontois) et de donner « un point de vue » rien d’autre.

Commençons par  le point numéro 4 !

Le concours :   beaucoup de danseurs y sont défavorables. Ils expliquent qu’ils sont ensemble depuis l’école de danse, et qu’ils ont du mal à être en compétition avec ceux qui sont souvent leurs amis ; d’autres expliquent que le stress est si intense qu’ils en perdent leurs moyens ; ils sont des artistes, pas des bêtes à concours. D’autres ne veulent tout simplement plus les passer : une réponse à une hiérarchie à laquelle ils ont décidé de s’opposer. Mais pas seulement, on va le comprendre dans la suite.

Tous frais émoulus de l’école de danse (au minimum 6 ans souvent en internat c'est-à-dire dans un monde clos) ils ont, à l’issu de la première division dont ils ont réussi le passage, réussi le redoutable concours d’entrée dans le corps de ballet de l’opéra ; ils l’ont eu ; ils sont ravis, enfin leur rêve se concrétise ! Ils vont danser ! Ils ont entre 16 et 18 ans, sont pleins de passion, de désir de danse.

 Et puis non. On ne leur donne rien du tout à danser. La première année se passe, et ils ne dansent plus qu’une heure et demie (leur cours du matin) quand ils faisaient 6 heures de danse à l’école. Leur grade ne leur permet pas vraiment d’aller en scène sauf en renfort des grands ballets classiques. Ils sont juste là en plus au cas où . Pour remplacer quelqu’un qui se blesse. Sinon, rien. On le voyait déjà dans le film de Nils Tavernier «  tout près des étoiles » ; d'ailleurs, une jeune quadrille avait fini par partir pour Lyon.

Donc nos jeunes quadrilles prennent leur barre, regardent les autres danser et attendent. Ils piaffent dans leurs stalles comme de jeunes purs sangs. S’ils réussissent le concours, ils seront coryphées. Ce ne sera pas beaucoup mieux, mais ils iront en scène. Mais voilà. Ils ratent le concours une fois, deux fois… ils ne dansent pas ; ils se sentent exclus, ils remettent en cause leur capacité, leur talent ; ils cherchent alors un sens à leur raison d’être à l’opéra de Paris. Un chorégraphe contemporain passe par là et les choisit. Et         alors, tout s’éclaire : ils retrouvent le plaisir de danser, ET d’exister à travers le regard du chorégraphe, car perdus au milieu de 152 danseurs, ils avaient disparu, ils s’étaient dilués hormis pour leurs amis. Alors, ils se mettent à détester le classique, cette danse élitiste ringarde dont on les a exclus alors qu’ils ont travailllé durs à l’école pour elle.

C’est ce mécanisme qu’expliquent à mi-mots certains quadrilles.

Je serai personnellement favorable à la suppression de ce concours.  Les arguments pour sont qu’il  donne  à tous la possibilité de danser en soliste sur la scène de Garnier. Certes, mais on sait bien qu’un concours ne permet pas de danser dans de bonnes conditions.  Certains sont galvanisés par le public et mortifiés par un jury. D’autres ne supportent pas d’être en concurrence avec des amis, et de devoir prouver qu'on est meilleur que le voisin. Et puis on sait que le concours n’est pas toujours juste ; parfois, on nomme quelqu’un premier danseur pour barrer la route à un autre…

Cette troupe nourrie de rivalité, de mise en compétition depuis l’école, est actuellement comme le dit Ghislaine Thesmard « une machine à broyer les faibles ». Des Guillem, des Le Riche vivent tout cela sans problème ; pour d’autres, ils sont broyés. Doivent-ils dans ce cas quitter l’opéra, aller chercher ailleurs ? Ou bien n’est-il pas temps de changer les règles ? Noureev ne se fichait-il pas complètement de la hiérarchie ? Plus d'une fois, il l'a prouvé!

Comment éviter les copinages dans ce cas ? 

Supprimer le concours peut être la porte ouverte à toutes les bassesses auprès du directeur pour obtenir les postes convoités. Sauf si on imagine un collectif, un groupe d’experts qui se réunit une fois l’an et décide en fonction de l’année écoulée ( prise de cours régulier, scène, etc) de qui est apte à «  monter » ( encore que je doive écrire un autre article sur ces cinq grades que je n’aime pas) ; donc un groupe de personnes et pas une seule personne. Comment mettre cela en place ? Et bien en invitant des danseurs à la retraite à assister à un certain nombre de spectacles dans l’année qui compléterait un groupe composé de maîtres de ballet + professeurs qui donnent leur cours, + bien sur le directeur.

On pourrait aussi imaginer des soirées Jeunes danseurs tout au cours de l'année. Comme il n’y a que deux salles de spectacles, elles pourraient avoir lieu en banlieue, en province, ou la danse classique est si rare. Cela réglerait aussi la question de l’école de danse qui pourrait recruter partout en France, car l’opéra deviendrait visible car l'école se plaint que seuls certains enfants issus de certains milieux et vivant plutôt dans de grandes villes où il y a déjà des écoles de danse se présentent.

 Je pense sincèrement que cette question est à creuser. Les jeunes qui quittent l'école ont soif de danser, et cela les stimulerait, créerait une émulation. Ils danseraient des pièces faciles à monter, sans trop de décors ni costumes ; des extraits de ballet, des pas de deux, de trois,  comme ceux que j’avais vus à Orléans au palais des sports de ma ville : c’était il y a 48 ans, et je n’en ai rien oublié !

Quand je pense qu'actuellement est toujours quadrille Lucie Mateci, une artiste que j'ai toujours énormément aimée, car même " perdue" dans le corps de ballet, elle diffuse une lumière d'une singulière beauté; c'est l'une de ces artistes qui injustement pour moi, justement aux yeux du concours, n'est jamais " monté".

Rappel des grades

1. Quadrille, le premier. 
2. Coryphée
3. Sujet : possibilité de danser des rôles de solistes
4. Premier danseur
5. Etoile ( sur proposition du directeur de la danse

Après avoir tristement appris la mort d'Ezio Frigerio en février 2022, le créateur génial des décors de Roméo et Juliette de Noureev, j'apprends le décès de Patricia Ruanne, la créatrice du rôle de Juliette dans la version de Noureev à Londres en 1973.

Noureev reste l'une des personnalités qui m'aura le plus marquée au cours de ma vie. J'ai eu la chance d'assister à la création de tous ses ballets à l'ONP dans les années 1980 et je n'ai jamais retrouvé un tel choc. 

Je parle longuement de Roméo et des décors dans un autre article sur ce blog, mais aujourd'hui, je voudrais simplement rendre hommage à une ballerine qui a ensuite consacré la deuxième partie de sa carrière à transmettre les rôles qu'elle avait dansés, et notamment celui de Juliette.

Les photos sont de simples captures d'écran du magnifique Rêve d'étoile consacré à Roméo et Juliette, lorsque celui passe de la  " petite " scène de l'opéra Garnier à la grande salle froide de l'opéra Bastille. 

Elle y explique la conception de la pièce par Noureev qui a apporté une attention extrême à tous les détails des personnages " secondaires" : Tybalt, Mercutio, Benvolio, la nourrice...  elle y explique comment il lui demandait de transposer sur pointes la technique contemporaine de Marta Graham avec qui il avait travaillé. " A pieds plats, j'aurais facilement pu le faire, mais sur pointe". Car pour Noureev, il s'agit de mettre en lumière  le caractère volontaire, affirmé, garçon manqué de Juliette qui doit " exister" dans un contexte politique violent et sans concession. Elle doit physiquement avoir une immense force, beaucoup de puissance, ce qui demande un investissement hors pair à la ballerine.

Lorsqu'elle fait répéter les danseurs, Patricia Ruanne souligne l'importance de tous ces détails, de leur psychologie et de ce que voulait Noureev.

A chaque fois que Patricia Ruanne a été présente pour des répétitions, - elle n'a pas toujours été appelée à jouer ce rôle après 1996, malheureusement - je savais que la qualité de l'interprétation serait au rendez-vous et que la technique sera exclusivement au service des personnages.

C'est Rudolf lui-même qui lui avait demandé de le rejoindre à l'opéra de Paris pour y être maîtresse de ballet, fonction qu'elle assurera de  1986 à 1996, c'est  à dire après que Brigitte Lefèvre prenne la place de Patrick Dupont comme directrice de la danse... et pour moi, ce fut alors le début de la fin... Ensuite, elle revient rarement pour mon plus grand désespoir. Mais quand par la suite, elle est revenue superviser des répétitions ou transmettre des rôles, quel bonheur ça a été de voir le résultat sur scène! En danse, la transmission est la clé de la réussite d'une oeuvre;  sans direction, les danseurs ne peuvent eux-mêmes avoir accès à toutes les clés d'un rôle, d'un personnage.

Modestement, à travers cet article, je lui exprime en tant que spectatrice amoureuse inconditionnelle des ballets de Noureev, toute ma gratitude pour tout le travail qu'elle a accompli. 

A LIRE SUR CE BLOG

Les décors de Roméo et Juliette par Ezio Frigerio  : 

Lors de la dernière série de Giselle en 2020,  j’avais eu le bonheur de voir  la Giselle de Dorothée Gilbert aux côtés de Mathieu Ganio.  Audric Bézard complétait le trio et le corps de ballet se mettait à l’unisson pour servir la narration. Vous pouvez retrouver le compte rendu ICI. La représentation avait été poignante et d’une maîtrise éblouissante.

J’avais donc hâte de découvrir Gilbert aux côtés d’Hugo Marchand, son partenaire de prédilection, car j’avais été profondément bouleverseé par leur Roméo et Juliette de l’été dernier. Voir ICI.

Fabien Révillion qui est un artiste que j’affectionne particulièrement campait Hilarion : tout s’annonçait au mieux.

Hélas, lors de cette première, le premier acte fut un beau gâchis ! Non pas chez les solistes, bien au contraire, c’est même Dorothée Gilbert véritable prima ballerina assoluta qui a sauvé le tout, mais le corps de ballet a montré une technique approximative, avec ses décalages constants les uns avec les autres, le summum étant lorsque les amies de Giselle, 8 au total, offre d’un côté un trio parfait et de l’autre un quintette en retard sur le tempo et peinant à aligner les pas.  Par ailleurs,   les danses paysannes ont perdu leur charme champêtre, n’offre aucune fraîcheur, aucune joie, et je préfère ne pas parler du pas de deux des paysans : le tout fait plus penser au laborieux spectacle d’une école de danse en fin d’année qu’à l’opéra de Paris et on se demande ce que Dorothée fait là, au milieu de ce spectacle indigent. Comment avec un premier acte calamiteux au possible, la scène de la folie peut-elle prendre toute sa puissance ?     
J’avais beau être éblouie par   Dorothée, je regrettais presque d’être venue, surtout si l’on rajoute les fausses notes de l’orchestre, notamment des cordes médiums et des vents.

Il était donc vraiment difficile pour Hugo Marchand de donner une réplique parfaite à Dorothée au premier acte et Fabien Révillion n’est pas plus aidé, puisque le plateau bafouille à leurs côtés : on a de la peine de voir de tels artistes dans un tel contexte, le tout ne prend pas.

Heureusement, un miracle est toujours possible et il a eu lieu au deuxième acte.

 Des Giselle, j’en ai vues, à commencer par Pontois et Atanassoff, inoubliables, en 1974.  Giselle reste l’un de mes ballets préférés car le drame explose de façon complètement inattendu et en peu  de temps au premier acte, et le deuxième acte offre la quintessence même du romantique : mort, pardon, sacrifice, monde de l’au-delà inaccessible mais dont on peut malgré tout capter un écho, une voix, une image dans la nuit.    
 

 Dorothée Gilbert devenue  totalement immatérielle, n’est plus qu’un peu de brume que le vent façonne à sa guise : ses équilibres, ses tours planés, ses arabesques, sa merveilleuse petite batterie prennent une beauté qui n'est plus de ce monde. Seule Bessmertovna  a su rendre sa Giselle aussi fantomatique. Ses bras évanescents s’arrondissent ou se meuvent comme les volutes de fumée dans un courant d’air. Transparente, volatile,   humble mais puissante tout à la fois, c’est un esprit que la force de son cœur anime.   

À ses côtés,  Hugo Marchand est un Albrecht  poignant, plein de remords ;  sa danse magistrale aux lignes magnifiques malgré sa grande taille, à la fois puissante et  terriblement humble, crée un contrepoint d’une infinie poésie à celle de Giselle.
Il est bien vivant lui,  de chair et de sang, mais rongé de chagrin.

Leur pas de deux a suspendu le temps, et leurs corps qui ploient, se déploient, se rencontrent et s’effleurent comme en rêve est un summum de beauté et de poésie.

À leurs côtés, le corps de ballet implacable, a la beauté à la fois immatérielle et minérale comme si des gisants de pierre s'étaient animés, leur compose un écran idéal. Ces Willis évoquent les cruelles  filles du roi des Aulnes, qui conduisent la ronde nocturne, ou encore l’hymne à la nuit de Novalis incarné ici dans toute sa perfection : « Un jour je répandais des larmes amères ; la douleur avait dissipé mon espérance, et j’étais seul auprès de ce tombeau sombre qui cache tout ce qui faisait la force de ma vie ; seul, comme personne ne pouvait l’être, sans appui et n’ayant plus qu’une pensée de malheur ; j’appelais du secours sans pouvoir aller ni en avant, ni en arrière, et je m’attachais avec ardeur à cet être que j’avais vu mourir. Alors, des lointains bleuâtres, des lieux témoins de mon ancienne félicité, un doux rayon vint à poindre ; la pompe terrestre s’enfuit, et avec elle ma tristesse ; je m’élançai dans un monde nouveau, immense, tu descendis sur moi, inspiration de la nuit, sommeil du ciel ; la contrée s’éleva peu à peu, et sur la contrée planait mon esprit dégagé de ses liens. Le tombeau près duquel j’étais assis, m’apparut comme un nuage, et à travers ce nuage j’aperçus les traits rayonnants de ma bien-aimée. L’éternité reposait dans ses yeux, je pris ses mains, et mes larmes coulèrent en abondance. Les siècles s’en allèrent au loin comme un orage, tandis que, suspendu à son cou, je versais des pleurs délicieux. Ce fut là mon premier rêve, et depuis j’ai senti dans mon cœur une foi constante et inaltérable au ciel de nuit, et à ma bien-aimée, qui en est la lumière. »

Le corps de ballet froid, lunaire, minéral et glaçant et pourtant d’une éblouissante poésie offre un contraste saisissant avec la mort du malheureux Hilarion, être pour qui on éprouve une profonde compassion, car il n’a jamais espéré être aimé de Giselle et ne peut ni l'oublier ni se consoler ; il l’aime par delà la mort, qu’il trouve lui-même d’une façon cruelle. On aime cet être banal, qui a passé comme un rêve dans la vie et meurt sans que quiconque se soucie de lui. Cela change des Hilarion brutaux, parfois odieux.

La dernière variation de Gilbert avec sa batterie ciselée, ses sauts vers l’arrière qui évoquent l’envol des phalènes au clair de lune, sa légèreté absolue, nous rend le temps trop court ;  à cette infinie poésie succède peu de temps après le cœur battant d’Hugo Marchand qui vibre avec amour, avec abandon, dans une série d’entrechats 6 emplie d’une émotion poignante ; notre cœur bat à l’unisson et on oublie l’extraordinaire prouesse physique.

 Enfin, félicitations aux lumières, car cette année, c’est merveilleusement éclairé  

Citons encore la très belle Willis de McIntosh. En revanche, la Myrtha de Colasante excessivement puissante, ne nous convainc pas vraiment. On voit une danseuse qui en fait trop et plus un personnage. Sa Myrtha de 2020 était plus nuancée.     

Un petit mot sur la rayonnante Giezendanner, toujours aussi radieuse sur scène, poétique, musicale, vivante. Quand on voit les 7 autres amies de Giselle dont 5 le soir de la première ont du mal à s'accorder et à suivre le tempo, on se demande vraiment ce qu'elle fait " encore"  là... 
 

Malheureusement, je n'ai pas trouvé de belles photos sur le site de l'ONP de ce couple là et j'en suis désolée... j'ai donc mis l'unique que j'ai réussi à faire...

En 2016, j’avais vu Roméo avec Marchand et Gilbert dans les rôles-titres, quelques jours après avoir vu Heymann et Baulac, (en remplacement de Ould-Braham), et, si le premier acte ne m’avait pas vraiment convaincue, j’avais été emportée par l’émotion aux deux actes suivants, celle-ci allant crescendo jusqu’au dénouement final.

Cinq ans plus tard, les voici à nouveau réunis pour ce ballet aux diffucultés techniques redoutables, véritable marathon dansé de 2h30, dans lequel le couple doit faire face au terme de leur danse à des escaliers qui leur compliquent enocre la vie.  Mathieu Ganio était Tybalt,  Pablo Legasa Mercutio, et  Fabien Révillon Benvolio, rôle qu’il avait déjà dansé en 2016 avec toute la sensibilité qu’on lui connaît.

Dès le début, l’orchestre sonne nerveux, intense, lyrique. Après avoir trouvé les orchestres des  précédentes reprises bien mollassons et sans couleur, la baguette de Vello Pähn enchante cordes et bois parfaitement équilibrés et pondère les cuivres, qui a Bastille, font toujours trop de bruit.

Et puis le rideau se lève… de noires silhouettes jouent une partie de dés, la vie n’est-elle pas plus que cela ? Une partie où tout d’un coup tout peut être perdu ou gagné d’un seul coup ? Où les surprises tombent du ciel sans crier gare, et disparaissent tout aussi brutalement ? La compagnie qui a retrouvé sa superbe,    parle   ce samedi 10 juillet son Shakespeare couramment.

Aux scènes d’affrontement au marché, nerveuses comme celles de West side story, succèdent des scènes d’épée virtuoses, un bal aux danses guerrières, véritables parades avant la mise à mort, des solos lyriques ou comiques, des duos, trios, quatuors qui déclament en une langue truculente, fluide, gouailleuse, poétique, agressive, compatissante, virtuose, la tragédie des deux enfants de Vérone.

Dans sa chambre, Juliette-Gilbert, élevée par des parents au cœur débordant de haine et un cousin a l’épée leste, a développé un caractère franc et une force physique peu commune de garçon manqué que traduisent des gestes qui ne recherchent ni la pureté des lignes, ni la beauté des formes comme en 2016. Ah, cette Juliette me séduit d’emblée. On lui présente son futur époux ? « Bon d’accord, je vais le saluer pour vous faire plaisir, mais je préfère lutter avec Tybalt ! »

Par contraste, Roméo-Hugo, aux ports de bras légers, aux inclinaisons du cou fluides, aux sauts élastiques à la réception légère, aux attitudes qui se vrillent comme les volubilis autour des arbres, au regard empli d’une profonde humanité, révèle une âme sensible, rêveuse, féminine. Avec Benvolio, posé, calme, bon garçon et Mercutio qui se met en quatre pour amuser la galerie, il compose un trio profondément vivant, attachant.  Ce ne sont nullement les « bad boys » Capulet, mais un groupe de jeunes hommes tout juste sortis de l’adolescence qui ne se sont pas encore trop frottés aux réalités de la vie.

La rencontre avec Juliette bouleverse : la danse juvénile de celle-ci et la douceur un peu rêveuse de celui-là se métamorphosent dans le jardin en un pas de deux d’une intensité amoureuse non égalée depuis Hilaire-Guillem en 1991. De la rapidité d’exécution des pas de Gilbert et Marchand, vertigineuse, qui nous laisse littéralement bouche bée naît un puissant sentiment d’abandon amoureux que celle-ci devrait interdire. Les deux danseurs ne cèdent en rien à la facilité, bien au contraire, car les deux artistes au sommet de leur art qui se portent une confiance absolue, enchaînent des figures, des portés, des lancers qu’on croirait impossibles.

Avant cette merveille, on aura assisté pendant le bal aux chaises musicales, ou les yeux bandés, chacun doit reconnaître le partenaire qui lui échoit : la cocasserie en plein drame, c’est tout Shakespeare.

Et tout à coup, je réalise que ce Roméo de Noureev emprunte beaucoup au West Side Story, c’est tout à fait frappant ce soir : un joyeux chaos qui finira en drame. Quant au prodigieux travail avec le sol, il était dû au travail que Noureev faisait avec Martha Graham qu'il exportait ensuite dans la création de la chorégraphie. Patricia Ruane en parle merveilleusement.

Le premier éclate juste après le mariage secret : la mort de Mercutio – excellent Legasa qui n’en fait jamais trop, cisèle les pas et les sauts comme un orfèvre, bondit et tourbillonne léger comme une plume, rit et grimace de douleur au moment de sa mort semant le trouble dans l’esprit du spectateur — provoque la mort de Tybalt qui comprend trop tard que sa haine la conduit à sa propre destruction. C’est poignant et  Ganio s'empare d'un registre bien loin de tout ce qu’il avait dansé jusqu’à présent et donne un ton personnel à ce Tybalt qui ne peut combattre la haine qui l'habite. Il n'est pas méchant, il est le jouet de forces plus grandes que lui. Au moment de mourir, sa gestuelle, pointue et féroce comme son épée, mais avec des épaules où s'exprime son allergie viscérale aux Montaigus, se recroqueville au fur et à mesure que la vie l’abandonne : elle l'a trahie, il le comprend en mourant : un coup de dés.

Écartelée entre son amour et son chagrin, une Juliette moins forte que Gilbert perdrait la raison. Mais c’est coupée en deux qu’elle pleure son Tybalt chéri, et après un premier et violent mouvement de colère, cède à l’amour qu’elle porte à Roméo. Gilbert concentre toute l’intensité de sa douleur dans des gestes maîtrisés ; elle n’agite pas les bras comme je l’ai vu souvent faire, ceux-ci se tendent comme des flèches à la fois reproche, supplication, pardon, souffrance.

Les adieux dans la chambre de Juliette annoncent déjà le drame final où le pas de deux du jardin ne s’envole plus vers la nuit étoilée, empli d’espoir, mais retombe toujours vers le sol, emporté par la pesanteur de la douleur de la séparation qui annonce déjà la mort.  Que la chorégraphie de Noureev est lisible ce soir !

Les deux fantômes qui surgissent dans la chambre de Juliette, l’un tendant une fiole, l’autre un poignard, ont une immatérialité rarement égalée par leurs prédécesseurs. Ganio/ Legasa donne à leurs corps une transparence spectrale, lugubre, terrifiante, comme si de leurs corps en décomposition parvenaient déjà les échos du  caveau de Juliette.  Et puis c'est le message qui n'arrive pas, Benvolio dévoré de chagrin qui annonce la mort de Juliette... 

Dans le dernier pas de deux, la force de l'amour se brise sur  un dernier mauvais tour du destin. Juliette, endormie dans les bras de son Roméo qui la croit morte et tente désespérément de la ramener  à la vie, se réveillera trop tard.  Les joueurs de dé ont encore le dernier mot.

Je ne peux pas refermer cet article sans mentionner Dame et Seigneur Capulet  - Sarah Koya Dayanova et Arthus Raveau, parfaits dans leur rôle, l’extraordinaire nourrice, pleine de sollicitude et de gouaille de Miho Fujii, les acrobates qui ont magnifiquement fait virevolter les immenses les drapeaux, jamais aussi bien maniés ces 15 dernières années, sans oublier l’excellence du corps de ballet, qui a dansé de toute son âme.

La salle retenait son souffle, applaudissait rarement, prise qu’elle était par le récit, mais la dernière note résonnait encore qu’elle s’est levée d’un seul bond et a offert en retour une ovation à toute la troupe.

A lire sur ce blog : 

Les décors d'Ezio Frigerio

Romeo et Juliette de Noureev

Biographie d'Hugo Marchand  : danser